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【天游公司】艺术客 2020 之 年度艺术展览 ... 游戏

展览是艺术家、策展人、艺术机构(美术馆、博物馆、画廊等)、批评家等群策群力的结果,最能直观地呈现时下的艺术生态、艺术风向标及理念和模式的创新,甚至通过艺术展览能呈现出一个时代的整体面貌。

2020年对于全球而言,无疑都是极为特殊的年份,由于全球疫情的影响,导致很多行业都暂时停摆或延缓发展。对于人流量较为集中的美术馆、博物馆等公共场所而言,所受到的影响是显而易见的,很多美术馆、博物馆、画廊都不得不进行调整,采取各种应对措施,如运用新媒体手段将线下展览转为线上展览,改为“线上直播”或者“云展览”等形式。在充满了不确定和不可控因素的情况下,2020年度举办的展览数量明显少于往年,有众多值得期待的展览都无法如期举办,或延后,或取消,即便是如此情况之下,仍有众多展览顶住压力,如期举办,并为观众们带来高质量、颇具创新、精彩纷呈的观展体验。

在2020年举办的众多展览中,本刊经过学术顾问团的意见,最终甄选出十项年度艺术展览。从这些展览中可以看出,无论是呈现方式,还是展览理念,都是围绕着艺术的美学价值进行阐释与呈现,都是在反映对于历史发展的思考或当下时代的艺术面貌等。或许在疫情的考验下,艺术家、策展人、艺术机构等都需要重新思考未来的发展路径等诸多问题。媒体作为一个观察者的角色,谨在此对过往的某个阶段或事件等进行梳理与总结,并向大众传播良性的价值观。期待在疫情逐渐转好之后,能产生出更多艺术佳作与展览。

(按展览开幕时间排序)

海浪——历届上海双年展文献及作品展

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地点:上海当代艺术博物馆

2020年7月31日至11月15日,在上海当代艺术博物馆成功举办了展览《海浪——历届上海双年展文献及作品展》。该展重现了51位 (组)国内外艺术家的60余件历届上双参展作品,涵盖绘画、装置、影像等多种形式。展出的作品多数来自于中华艺术宫 (原上海美术馆)和上海当代艺术博物馆历年来的上海双年展藏品。

本次展览参展艺术家阵容强大,包括陈钧德、陈劭雄、丁乙、方力钧、谷文达、黄永砅、梁绍基、刘庆元、刘韡、罗永进、毛焰、 萧勤、徐震、严培明、杨振中、张恩利、张洹、张健君、张培力、周春芽、周啸虎等等。展览设置了两条相互对照的文献线索,分别是以大事件串联的时代发展脉络,以及由诸多艺术家提供的私人物件、照片、资料所形成的个体文献。通过将个人记忆汇聚入历史汪洋的叙事框架,展览谱写出一段独具情感、波涛涌动、奔流不息的上双过往,以期在一个被迫减速与停摆的后疫情时期,给予观者引古证今的感触与启迪。

追溯上海双年展的历史由来,其创立于1996年,至2020年, 已举办12届,其初衷是为中国艺术家构筑与世界有效交流的平台,为中国人打开一扇了解全球最前沿艺术思考和创作的窗户。首届展览主要展示来自全国各地画家的架上绘画,自第3届双年展 (2000年)开始广泛接纳装置、影像等更多样的作品形式,并开启策展人制度,成为中国第一个真正意义上的国际化双年展,现已成为国际最重要的艺术双年展之一。

经过24年的深耕细作,上海双年展始终以上海这座城市为母体,秉承学术与文化创新的使命,以开放的视野持续追踪全球语境下的社会变革及知识生产趋势,现已成为跨学科协作与跨领域对话的大型国际当代艺术展示与交流平台,其所涉及的话题及产生的影响已辐射到城市研究、哲学、社会学和人类学等广泛领域。

据上海当代艺术博物馆馆长龚彦女士介绍,本次展览的名为“海浪”,与英国小说家伍尔夫的一部长篇小说同名。伍尔夫小说描述的是将近一百年前现代人精神世界的困境和荒原。“创立于1996年的上海双年展,可以说是学术意义上中国第一个国际性的双年展。回顾这24年的发展,在她每一个历史或社会性议题之下,我们看到,我们如何成为了自己;上双的价值在于不断地提问,不断地翻腾,而不是 上岸 。我们希望这24年浪潮所聚集的能量,能够把上海双年展推向更猛烈的浪尖。”

在中华艺术宫执行馆长沈捷先生看来,上海双年展带来的策展思路的革新、主题的创新,以及作品样式的多样性,一方面点燃了国内艺术家的创作热情,培育了一大批艺术家和新品力作;另一方面也拓宽了国内艺术爱好者的眼界,培养了一大批忠实的上海双年展粉丝。“24年后的今天,上海双年展已成为了中国最具国际影响力的艺术展示平台。”

图片 / 聂英

绵延:变动中的中国艺术

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地点:北京民生现代美术馆

2020年9月25日,北京民生现代美术馆疫中新展《绵延:变动中的中国艺术》开幕,该展为常设展。展览分为时间 / 空间、生命 / 身体、日常生活、物质、表演、情感等六个板块,以常设展的方式贯穿美术馆全部展厅及公共空间。展览共展出91位中国艺术家的95组件作品,涵盖绘画、雕塑、装置、录像、动画等多种媒介形式。在中国首次推出的当代艺术常设展在一定程度上提供了一个可以参照性地观看当代艺术在中国的现实状态。

展览的主题“绵延 (Duration)”这一概念来自法国哲学家柏格森——它意味着没有中断和永恒的持续。同时,它还意味着永恒的变化。著名理论学者、策展人之一汪民安教授将它引入到当代艺术工作,得到策展团队的认可,并激发出诸多新的讨论。由此,《绵延:变动中的中国艺术》试图以理论和历史的视角来展示当代艺术在中国的现实境况,涉及其成就成果、不足与缺憾以及它的不断绵延变动。

展览力图在“绵延”的意义上展示中国当代艺术的状况:既要展示当代艺术的连续过程,也要展示其变化过程;既要呈现它的起源时刻,也要表达出它的现在时刻;重要的是,展览试图展示出当代艺术在中国生长和绵延的过程本身,即便它所提供的仅仅是众多参考面向或框架的其中一个。《绵延:变动中的中国艺术》不是一次固定而静止的展览,而是名单不断更替、作品不断更换,然而主脉和框架保持不变,它如同河流一般,水变河不变,长流不息,而展览本身也因之成为一场艺术实验——一个有无限变化可能的探索与尝试,一个将展览本身作为艺术作品不断生长的理念。策展人团队表示,很多重要艺术家、重要的作品因为多种原因没有出现在展览的第一次呈现之中,但他们是策展人研究的对象,也是民生美术机构始终保持关注的对象,未来策展人们将根据“绵延”的理念将更多充满创造力与想象力的艺术家、艺术作品、艺术项目不断生长到大展中去。

北京民生现代美术馆负责人李峰表示:“从学术研究、到藏品商借、到策划呈现,《绵延:变动中的中国艺术》是一个以集民间智慧与力量、呈现当代艺术在中国的历史境遇和它持续不断变动生长面貌的常设展。此前国内外一直没有中国当代艺术常设展,北京民生抛砖引玉,采用多领域专家和本馆团队结合的方式,来展现我们的文化站位、对发生在中国的当代艺术文化的推重与坚定信心。一个常设展不能也未曾设想呈现当代艺术在中国的全貌,它也不是一成不变的美术史书写,不是给出确定无疑的答案。推动兼具国际视野又根植于本土的文化判断与自信力,试图激发出更多的问题、引发不同角度的思考,这是我们的努力所在。此展览不是总结和盖棺定论,不是历史标本的堆砌组合,而仅仅立足于当下的鲜活呈现、面向未来的展望。”

非物质/再物质:计算机艺术简史

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地点:UCCA 尤伦斯当代艺术中心

2020年9月至2021年1月17日,UCCA尤伦斯当代艺术中心举办了大型展览《非物质/再物质:计算机艺术简史》。该展由法国策展人黑阳 (Jerome Neutres)与UCCA策展人秋韵联合策划,共汇集跨代际的30余位艺术家,涵盖20世纪60年代计算机艺术先驱到当下新兴艺术家创作的70多件作品,回顾了“计算机艺术”的源起、当下发展及对未来的展望,并对机器学习美学、数字客体性以及科学技术的反思展开探讨。

本次“非物质/再物质”展览是对1985年,让-弗朗索瓦·利奥塔曾于巴黎蓬皮杜艺术中心策划的具有开创性的展览“非物质”的致敬,该展构想了一种与电讯技术进步相呼应的全新物质模式。而此次“非物质/再物质”展览亦旨在通过探索计算机艺术的广阔前景与哲学根基展现计算机艺术不仅是新的媒介,更是一种全新的美学表达形式,从而在计算机艺术媒介的历史上谱写新的篇章。

展览以四个章节全景展现计算机艺术的发展历程,每个章节涵盖特定历史时期计算机艺术的表现形式。开篇章节《计算机艺术先驱:新“调色盘”的发明》聚焦于早在20世纪60年代,在计算机技术初具雏形且尚未普及时,便已开始采用计算机算法进行素描和绘画创作的艺术家。在接下来的《生成艺术:无限的语言》章节中,计算机在艺术家手中已拥有超越时长限制、自我持续创作的能力。如池田亮司给予了数字代码本身某种物性,约翰·杰勒德和里奥·维拉瑞尔则分别模拟和扭曲了现实,亦有艺术家更将互动性引入实践,创作出集艺术家、计算机算法和观看者三位一体的艺术作品。在第三章《人工智能艺术实验室:当艺术家创造“创造”本身》中,展览继续探讨了当艺术家将创意赋予人工智能之后,艺术家在艺术创作过程中所扮演的角色。最终章《后数字时代的幻觉与幻灭》则直面计算机技术所带来的新可能性,同时亦是焦虑。

除以上四个章节之外,本次展览还包含与百度AI共同策划呈现的特别单元。该单元为观者呈现了由凯林·布里克与芦明一、米格尔·舍瓦利耶和丹尼尔·罗津创作的互动式和生成式作品,而观众的积极参与赋予了每件作品特别的视觉表达。将二十世纪艺术家先驱与数字时代成长的年轻艺术家的作品在本次展览中同时并置呈现,展览在回溯计算机艺术历史起源的同时,亦开启了关于计算机艺术未来形态的对话。

正如法国策展人黑阳所说:“我们此次展览的目的是展示昨日的先驱与今日的新星是如何从 非物质 向 再物质 携手并进,以及他们对于我们正在经历的新人类文明——数字人观点的不断演进。另外,展览试图证明计算机技术并非是一种实验性的流派或一场短暂出现的艺术运动,而是作为一种真正的艺术媒介,开启了无数视觉可能性。”据本次展览的联合策展人秋韵透露,由于全球疫情的发展影响了展览的筹备与实现,使展览延期7个月,历经种种波折与挑战,最终通过UCCA团队与各国艺术家们的网络沟通、协作,完成远程布展,使得在特殊的2020年为观众呈现了一场大规模、高品质的展览。

传统的复活——中国当代艺术的另一条线索

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地点:松美术馆

2020年9月26日至2021年2月21日,北京松美术馆举办了展览《传统的复活——中国当代艺术的另一条线索》。作为松美术馆的又一重要群展,本次展览汇集了不同年代的45位/组艺术家,如常玉、林风眠、吴冠中、朱德群、赵无极、罗中立、谷文达、徐冰、蔡国强等众位名家的94件精选作品,为大家呈现出20世纪几个重要历史时期与阶段的作品。

“传统的复活”这一展览主题是希望呈现中国当代艺术的另一条发展路径,即立足于中国自身的历史与文化情景,从本土文化的立场,呈现当代艺术与传统的联系,以及如何为传统注入新的内涵。据本次展览的策展人何桂彦介绍:“本次展览涉及到20世纪几个重要历史时期与阶段的作品,通过它们,我们可以关注以下几个问题:第一,传统文化在不同阶段的文化语境中,是如何衍生、绵延、转换,并对艺术家产生了影响;第二,从语言、风格、修辞的角度讨论当代艺术是如何从传统出发,并构建了自身的语言系统,形成了当代的表述与话语;第三,在观念层面,艺术家如何对传统与日常、传统与当代生活展开思考。长期以来,在既定的传统VS现代、保守VS革命的二元对立话语逻辑下,传统往往是被批判、被攻击的对象,尽管如此,传统仍保持着自身的韧性和活力,不断为艺术家提供滋养。我们这次展览有一个变化,特别强调了20世纪,就中国过去100年,面对西方文化,面对中国追求现代国家,面对这种传统的革命、断裂、变迁,有选择性地对传统的继承和保护。同时,我们有一个时间界定,包括对观念艺术家的邀请,这次我们加强了观念艺术、装置和雕塑艺术家的聚合,所以可以看到一个非常丰富、多元的和这个空间息息相关的一个展览。”

作为此次展览的发起方,松美术馆负责人王端表示:“人类对传统的追忆从未停止。直至艺术文化平行的今天,我们也仍然在探讨如何在自己的坐标中激活传统在当代艺术语境中的意义。此次展览试图重新撕开一道裂缝,透析梳理20世纪以来,传统在现当代艺术的衍生、绵延、转换进程中面临的挑战和变化,以及当代艺术家对传统的态度,传统又是如何渗透进他们的日常创作中。大家可以在此次展览中寻找到答案。”

毫无疑问,2020是一个重要的历史时期,全球化与反全球化、国际主义与民粹意识、自由主义与保守主义,特别是在迎来一个特殊的“后疫情时代”,对于文化的历史情景、现实使命以及未来走向的反思与构建,将成为一个重大课题。以“传统的复活”为题,不仅要体现中国传统文化的精髓及其绵延与活力,而且立足现实,反映当代人的精神境遇与文化追求,赋予其更多的艺术与人文价值。

2020油罐玩家艺术节

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地点:油罐艺术中心

2020年10月3日至6日,油罐艺术中心举办了“油罐玩家艺术节”。“玩家艺术节”的概念由油罐艺术中心的馆主乔志兵先生提出。相较于一般意义上只展示一系列艺术作品的展览,这次艺术节是由数十场精彩的活动贯穿整体,从开幕当天至艺术节闭幕,每晚都有狂欢派对。此外,每天将带来各类形式的对谈、工作坊以及艺术家现场互动创作等活动,让参与者感受到最多元的艺术节新体验。

在此次艺术节中有五项不容错过的环节:首先是“原力寺”开幕表演:群展“原力寺”作为玩家艺术节的开幕表演隆重登场,邀请到陈轴、方阳、胡向前、李燎、李明、山河跳 (黄山、黄河)、唐狄鑫、田牧、杨健、周轶伦、钟云舒11位中国艺术家对“原力”这一概念进行创作阐释。展览中用不精致的搭建与设计来呈现另一种力量。“油罐”本身特殊的建筑形态将为展览和表演赋予一种多重舞台叠加的视效,如同进入一间带有表演与娱乐性质的游乐园,也如同进入一场狂欢式的庆典。

第二部分是“艺术市集”。“艺术市集”板块由国内外重要的艺术机构推荐活跃的艺术家参加。该单元以即兴、有趣、多元、创造艺术生意,重新打开观众的感官。当人们熟悉的艺术家走下严肃的艺术舞台,当画廊承载的不仅是艺术思辨的场域,出现在“市集”中的是更平易近人的日常艺术体验。

“涂鸦展”是艺术家陈英杰以及刘闻睿两位涂鸦界的重量级人物邀请观众一起,抛开常规美术馆规则,丢掉固有的偏见。陈英杰表示,“非常期待作品在一个足够空旷的空间展示,这样人们能从不同的距离感受作品,也是一种磁场的碰撞。”刘闻睿也期望有更多的人可以看到街头艺术,也希望街头的文化可以走进美术馆。

在“素人艺术节”板块展出了58位素人艺术家、累计超过300件作品,其中包括30位首次参展的新艺术家,涵盖装置、拼贴、架上创作、数码绘画、剪纸、缝纫等艺术形式。艺术家年龄跨度从19岁到91岁,来自各行各业但同样充满创作热情的素人艺术家们带来丰富的题材与故事,为观众呈现了一个充满生机的世界。

最后,“杂志快闪店”是由“TOILETPAPER”杂志呈现了一场充斥着搞怪、超现实与幽默感的重口味视觉盛宴,以日常的方式融合了设计、艺术与时尚。火遍Instagram的TOILETPAPER的各类周边设计商品也在这间限时快闪店中售卖,这些个性化商品吸睛的不只是怪品味,还有当代时髦青年不拘一格的生活方式。

此次艺术节时间短暂,却内容丰富,为观众呈现了一场创新、有趣、另类,独具一格的艺术狂欢节。

与历史同行:四川美术学院建校80周年

(1940-2020)

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喜报|中国美术学院周武教授入选浙江省第六批特级专家 … 游戏

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地点:四川美术学院美术馆

2020年10月28日至12月28日,四川美术学院组织策划的展览“与历史同行:四川美术学院80周年 (1940-2020)”于四川美术学院美术馆展出。该展是四川美术学院80周年华诞期间隆重推出的重量级展览,展览以461位艺术家的603件作品,完整展现川美80年辉煌的艺术成就。

从1940年的四川省立艺术专科学校到成都艺术专科学校,到西南人民艺术学院,再到西南美术专科学校,经历了一系列发展过程后,四川美术学院终于在1959年正式更名。在80年的发展历程中,四川美术学院一直是中国艺术创作版图中的重镇,各个时期均涌现出代表性的艺术家与代表性的作品,产生了重要的影响。四川美术学院的艺术家对于社会现实的变迁具有非常高的敏感度,善于把握历史与时代的发展潮流,用作品表现时代所凝聚的文化理想与艺术精神。

本次展览按时间线索分为两大板块:1940-1978年和1978-2020年,这两大板块由十一个专题展组成,分别是:与历史同行:1940-1978专题展:“理想先驱——四川美术学院初创时期设计教育文献展”“川流不息——四川美术学院新中国建设时期的艺术创作”“承传启合——四川美术学院中国画的实践与探索”“身份认同——川美雕塑的民族化探索”“小人书,大境界——四川美术学院连环画专题展”五个专题;与历史同行:1978-2020专题展:“时代强音”“现实关切”“语言之思”“传统再造”“意象生成”“实验之维”六个专题。展览注重学统梳理,构建创作谱系;强调历史语境,重视地域特色,重点突出“文脉与历史”“传统与经典”以及时代使命与当代视野。

本次展览的展品数量之多、规模之大、脉络之清晰和全面,都远超普通意义上的展览,与其说是一场展览,不如说是一部校史,甚至是一段中国艺术发展史的梳理。罗中立、何多苓、张晓刚、周春芽、庞茂琨等众多享誉国际的知名艺术家的作品都云集于此,通过此次展览呈现出一代代川美人不断累积的硕果与成就。

展览作为整个校庆活动的重头戏,四川美术学院校长庞茂琨表示:“就川美的创作谱系与艺术追求来说,一条重要的线索,即为现实主义艺术观念的绵延与发展。譬如,1940年代主张艺术为时代、艺术为人生、艺术为民众。1950到1970年代,在社会主义现实主义中注入民族性、地域性。1980年代的 乡土绘画 追求自然主义的现实主义。1990年代中后期出现了反映都市变迁与消费社会的景观现实主义,以及2000年以来,以日常、微观、身份为特点的 新现实主义 倾向。以往我们也做过回顾展,但没有像这次如此全面、大规模的梳理,这其中涉及很多老校友的作品整理,以及中国美术馆等收藏机构的作品借展工作,能在两三个月里做出这场回顾展,很不容易。这场展览的最主要目的是通过展示代表艺术家及其作品来梳理川美80年的发展脉络,通过视觉艺术总结川美的校史。特别是20世纪80年代之前,川美稍早期的发展,大家并不是非常了解;而通过这场展览,我们可以深入挖掘川美的历史渊源,让大家更清楚川美的根在何处,包括川美一路发展而来集聚了哪些艺术人才,其教学理念和特色是什么,都在这场展览中予以呈现。”

“退火”五周年特展「重置」

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地点:上海玻璃博物馆

2020年11月7日,上海玻璃博物馆的“退火”五周年特别大展「重置」拉开帷幕。“退火”项目始于2015年,在过去的五年中,曾邀请张鼎、廖斐、杨心广、毕蓉蓉、林天苗、刘建华、孙逊、朴庆根等八位艺术家,利用玻璃材料创作特定场域的大型装置作品,以“玻璃”为媒介,链接了广阔的精神世界和深刻的时代议题,并作为常设展与观众全年见面。

本次展览以“一项没有先例的创举”“一场持续五年的旅程”“一条全新的观看路径”“一次强有力的多维共振”四大特点成为2020年度展览推荐中必看的展览之一。展览从传统的“白盒子”空间延伸到户外“装载”作品的“集装箱”,遍布整个博物馆园区,形成一条全新的观看和体验路径。室内展览、户外作品及其周边语境形成强有力的共振,整体构建为一个引人入胜的当代艺术场域。张鼎的《黑色物质-3》对于物质特性惯常认知的打破;杨广心的《人体大肠》与“断肠”意象的契合;廖斐的《连续的平面 (1m )》对于“平坦”意义的思辨;毕蓉蓉的《反复纹样的彩色片》对于线条、块面、色彩、结构的再次构建;林天苗的《暖流》对于个体与社会控制的思考;刘建华的《呼吸的风景》追问个体与日常的联系;孙逊的《塞上》 (下集)以玻璃机械装置结合绘画呈现非线性的“空间叙事”,以及朴庆根的《我是我的镜子》对于“观看”这一动力相关且更为复杂的欲望机制的探索 玻璃这一古老又恒久的材质的无限可能性被展现得淋漓尽致。曾经惯常使用其他材质的艺术家在用玻璃创作时都会与之博弈抗衡,而在这一过程中,各自的边界被打破重塑,进而迸发出具有全新生命力的作品。

上海玻璃博物馆于2011年建成开馆,曾被美国CNN旗下网站评选为中国最不容错过的三个博物馆之一。开馆以来,上海玻璃博物馆持续为公众呈现精彩纷呈的展览:从国内外学院派玻璃艺术展览,到古玻璃专题展览,再到“KEEP IT GLASSY”系列展览,以及从2015年开始启动,将玻璃与当代艺术进行跨界共融的“退火”系列展览 秉持“营造并共享博物馆美学新生活”的理念,在上海玻璃博物馆,玻璃艺术与设计正跨越时间、空间和语言文化的藩篱,以各式精彩面貌共享于众。

“退火”是玻璃艺术创作中必不可缺的重要一环,也是玻璃最终成型的关键所在。炙热的熔料在上千度的温度下被塑型,随后经过加热、保温、慢冷、快冷四个退火步骤,使其减缓冷却速度的同时,降低了玻璃的永久应力。过程中变化种种虽可控,但亦有天数。期间,结果的未知性和偶然性也带给玻璃作品不可预知的宿命,令人着迷。“退火”既充满不确定性又具有无限可能,故上海玻璃博物馆当代艺术项目以此为名。如同退火工艺之于玻璃创作的不确定性。“退火”项目 (2015-2020年)邀请不同的当代艺术家从各自视角出发,利用玻璃的强大可塑性,不断挑战这一材料的边界,为观众和业界带来了精彩纷呈的作品,将玻璃的无限可能展现得淋漓尽致。

上海玻璃博物馆创始人、馆长兼执行总裁张琳表示:“在未来,我们希望不仅仅为公众呈现以 物 的视觉欣赏为导向的展览,更希望能为公众呈现引发思考、触动灵魂的展览,努力攀登当代艺术界的 珠穆朗玛峰 ,突破自我,超越极限。我们希望 退火 项目能成为符合上海玻璃博物馆景、践行博物馆使命的特色项目,成为当代艺术界不可忽视的 珠穆朗玛峰 ,期待有更多出色、更具生命力的展览的诞生。”

乔治·莫兰迪:桌子上的风景

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地点:木木美术馆

2020年12月6日,《乔治·莫兰迪:桌子上的风景》在北京木木美术馆开幕,展览将持续到2021年4月5日。本次展览是著名意大利艺术家乔治·莫兰迪在国内的首次美术馆个展,呈现艺术家包括油画、蚀刻版画和纸上作品在内的逾八十件重要作品。

展览全面回顾了莫兰迪五十年的艺术生涯——从艺术家1914年在博洛尼亚举办首次展览并开始对立体主义、未来主义、形而上学绘画等先锋艺术运动展开探索,至1930-1956年任教于博洛尼亚美术学院期间对静物和风景的反复描绘和系列创作,再到1960年代艺术家去世前的晚年画作。作为艺术家在国内的首次美术馆个展,本次展览将莫兰迪视为一个重要维度去思考意大利现代艺术的发展,并在他对形式的沉静探究、对静物冥思式的反复描摹以及内省的画面构图与东西方哲学思想中有关永恒的概念之间建立起联系,探寻其作品的深层内涵。此次展览借鉴了艺术家在静物创作中的构图逻辑,在展览设计上并未遵循传统的时间顺序,而是将不同时期、不同媒介的作品汇集起来并按照主题划分为四个单元:《感知》《静观》《景致》 (包含风景和花卉)和《晚期纸上作品》。莫兰迪曾说过:“我们对外部世界的感知很难甚至根本无法用语言来描述,因为那个视觉所及的世界是由形态、色彩、空间和光线所决定的。”本次展览呈现了莫兰迪于不同时期在主题、色彩、构图上所进行的大胆尝试和创新。这些作品挑战了人们对日常事物的固有认知,超越可感知的世界,进入到一个无法被语言文字所阐释的空间。

作为莫兰迪在国内的首次美术馆个展,在展览的策划、布置等都经过了精心准备,本次展览的策展人王宗孚显然对莫兰迪进行过深入研究,对于更好地读懂莫兰迪和莫兰迪的作品,他给出了最恰当的诠释:“当你看一场莫兰迪的展览时,你会在无意中撞到 真实 :他的作品让人难忘、供人凝视。在策划展览的过程中,我仔细思考了我们所理解的 真实 和这种真实定义下的视觉边界,然后把它转译给观众,这样我们才不至于迷失在莫兰迪的世界中。莫兰迪留给今人的遗产是一种现象学的观察方式,就像法国作家普鲁斯特 (Marcel Proust)曾说的: 真正的发现不在于看到新大陆,而在于用新的眼光去看。 2020年,莫兰迪观察世界的方式与我们在世界中的位置,仍旧息息相关。”

此次展览无疑带领中国观众走进莫兰迪充满诗意的艺术世界,感受其作品中细腻微妙的情感,并以更开阔的视野审视艺术家对二十世纪以及当代艺术发展所产生的深远影响。在2020年全球都受到疫情影响的情况下,为中国观众呈现了一场难得的视觉盛宴。

臆象——粤港澳当代水墨艺术谱系(2000-2020)展

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地点:广东美术馆

2020年12月18日至2021年1月15日,广东美术馆成功举办了由皮道坚担任策展人的展览《臆象——粤港澳当代水墨艺术谱系 (2000-2020)》。

“臆象——粤港澳当代水墨艺术谱系 (2000-2020)”作为首次以粤、港、澳作为区域性水墨研究样本,在相关学术背景下,对粤、港、澳当代水墨艺术彼此促进的脉络和未来发展的可能获得更加清晰的把握。展览以“臆象”为主题,意在凸显粤、港、澳当代水墨“自出胸臆”的艺术特质及其与传统水墨之“意象”美学的文脉关系。而作为方法的“谱系”则是为了观察、梳理近二十年来粤、港、澳当代水墨艺术的发展面貌,以进行阶段性的记录小结。

本次展览共邀请来自粤、港、澳地区的48位优秀艺术家的作品参展。参展的广东艺术家作品中,包括王璜生《风之痕》、黄一瀚《北京少年》、梁铨《六柿图》等;香港艺术家作品中,包括王无邪《庚子山水之九》、靳埭强《上善》、韦邦雨《念念浮光》等;澳门艺术家作品中,有杨大名《莲花献瑞》、吴卫鸣《瞬间》、唐重《飞不起的鸟》等。

本次展览的策展人皮道坚认为,21世纪以来,从传统中国水墨画向当代水墨艺术的转型经历了艰难而漫长的历史行程,逐渐成为一种相当国际化的当代艺术表达方式。“在大都会博物馆展览以及各种国际博览会,我们都能见到中国水墨画的踪迹。”在水墨创作的现代化表达与国际化观念的发展过程中,粤、港、澳地区的当代水墨实践既独立又敢为人先。粤、港、澳三地的当代水墨形态,既各自独立,又具有一定的互通性,呈现出一种较为综合的当代水墨文化形式,不断产生杰出的艺术家和优秀作品,对其他地区的当代水墨艺术发展产生推动与引领作用。如今粤、港、澳的当代水墨艺术整体在水墨艺术发展中走在时代的前沿,而当代水墨领域则正处在一个转型期,希望通过此次展览,不仅对粤、港、澳地区,对于台湾,甚至全中国的水墨都能起到推动引领作用。

广东美术馆馆长王绍强表示,由于疫情的影响,本次展览前后历经三年筹备之久。广东地区以其“沿海性”区域属性形成了开放、包容的广东精神,其当代水墨探索也充分体现出“当代性”实践。港澳地区甚至拥有比内地更早的实践经验,早期以“水墨会”为代表的群体构建,逐步影响港澳两地形成了当代水墨文化的氛围,营造出良性健康的当代水墨生态。而当代水墨艺术一直是广东美术馆密切关注的重点,自2001年以来,广东美术馆已经举办了三届当代水墨空间的展览。广东美术馆希望此次展览能为观众提供诸多与以往不一样的、进入当代水墨艺术的路径,让观众深入感知近20年来粤港澳三地当代水墨艺术的共生与对话。

为了前方:张光宇艺术12燃

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地点:嘉德艺术中心

2020年12月22日,为纪念张光宇先生诞辰120周年,嘉德艺术中心举办了展览《为了前方——张光宇艺术12燃》,该展览由吴洪亮担任策展人,展期持续至2021年3月14日。

展览以张光宇具体的艺术实践为线索,分为“世界·生生”“48个表情”“情感·须知”“家居·东西”“民间情歌”“泼克·讽刺”“大地·星岛”“西游漫记”“解放·建设”“神笔马良”“大闹天宫”“衣食住行”等共12个板块,从多维度展现了张光宇一生极其丰富而多样的成就。

据本次展览的策展人吴洪亮介绍,展览名为“为了前方”,是源自光宇先生在抗日战争时期举着的一块牌子。“光宇先生不仅用他那支具有能量的笔给我们绘制了最现代形象的中国状态,还给我们带来了很多意想不到的惊喜,他的幽默和勇敢使我们充满力量。而在筹备的时候,其实我们最感叹的是 张光宇 这个名字好像还不为大众所熟知,所以我们希望通过这个展览让大家认识张光宇先生。展览采用 光宇乐园 的方式,把张光宇先生从上个世纪三十年代在上海的创造以霓虹灯式的状态给大家呈现,把他在抗战时期的创造以扑克牌的形式跟大家分享,我们还重述了他的 情感·须知 神笔马良 ,把 大闹天宫 以新媒体的形式呈现,与大家互动,希望通过这12个燃点让大家找到张光宇那些最了不起的地方。”

此次展览共展出展品500余件,包括张光宇的珍贵原作288件,时间跨度从1918年到1963年,涵盖了张光宇的整个艺术生涯。展品中包括1910年代和1920年代张光宇创作的新仕女形象作品,1930年代设计的家具和《小姐须知》《民间情歌》《新诗库》封面画及讽刺漫画系列作品,1940年代的《西游漫记》及手稿、电影美术海报,1950年代的《新西游漫记》《神笔马良》,参与国家形象工程的史料,插画、漫画等,1960 年代的《大闹天宫》美术设计手稿。展览还特别展出了张光宇设计的大量杂志书籍封面,及其设计的“衣食住行”标志的源流及演变,还有反映张光宇各个时代精神面貌的照片,以更好地帮助观众理解和认识张光宇的艺术和人生。

展览现场用传统的机械方式与数字技术、霓虹灯与LED等方式的PK,建构怀旧与最新科技交织的氛围,借助光、声、风、电、视错觉的交互,调动观众视觉、听觉、嗅觉、触觉全方位的感官,通过网络中虚拟环境与现实空间的互动,呈现一个张光宇描绘的衣食住行、理想与爱恋的乐园。此外,展期内的元旦、春节、元宵节等诸多节庆节点,都会根据张光宇的创作推出特别策划的活动,呈现了一场名副其实的跨年艺术巨献。

正如吴洪亮所言:“希望通过此次展览绚烂的视觉感受、互动的交流方式、游乐园般的空间,让观众走入张光宇如万花筒一样丰盈的艺术世界。在跨年之时,为大家呈现一个合家欢式的展览,希望孩子们和大人一起来。”

撰文/郭映娜

图片/美术馆(除署名)

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